Tarsila do Amaral, Lago, 1928. Foto de Jaime Acioli, copyright Tarsila do Amaral
É um espetáculo estável, mas há uma qualidade sóbria em sua encenação, sem nada da ludicidade ou caos da retrospectiva de William Kentridge de 2022 da instituição.
O modernismo brasileiro na arte nasceu do orgulho nacionalista. Isolada dos desenvolvimentos criativos internacionais contemporâneos até o início da década de 1910, a arte brasileira tradicionalmente girava em torno da iconografia religiosa, retratos e paisagens. As academias de arte brasileiras eram ferozmente protecionistas, vendo qualquer novo movimento artístico internacional como radical e, portanto, em desacordo com as tradições de seu país. Além disso, o Brasil estava passando por um boom econômico orquestrado por ricos industriais, e as exposições nacionais financiadas pelos novos ricos refletiam seus gostos conservadores. O modernismo brasileiro impulsionou a identidade artística nacional do país para o novo século, e "Brasil! Brasil! O Nascimento do Modernismo", uma exposição coletiva na Royal Academy de Londres, dá uma olhada demorada nos artistas que trouxeram um senso de autoidentidade mais livre e contemporâneo ao legado artístico do país.
O modernismo na pintura estava borbulhando na Europa desde a década de 1860, à medida que a arte se afastava dos tropos formais e narrativos em direção a um trabalho que explorava como a tinta poderia ser mais expressiva e expansiva. Na década de 1910, Paris e Berlim eram focos de modernismo, enquanto Picasso, Braque, Kirchner e outros quebravam as fronteiras pictóricas. Nascida em São Paulo em 1889, a visita da artista brasileira Anita Malfatti à Europa em 1912 a deixou impressionada. Acabando em Berlim, ela mergulhou nas novas ideias de arte e, quando retornou ao Brasil, as misturou em suas pinturas. Malfatti se tornou membro do Grupo dos Cinco , um coletivo de artistas e escritores trabalhando para se livrar das ideias da velha escola que incluíam a colega pintora Tarsila do Amaral . O Grupo dos Cinco foi o primeiro modernista brasileiro, e Malfatti e do Amaral são figuras-chave entre os dez artistas na mostra da Academia.
Anita Malfatti, Retrato de Oswald , 1925. Foto de Jaime Acioli, copyright Anita Malfatti
A linha do tempo modernista do Brasil é longa. Começando a sério no início do século XX, é geralmente aceito que o movimento se extinguiu no início da década de 1970, e a exposição da Academia consegue ilustrar como a arte modernista brasileira se tornou mais solta e colorida com o passar do tempo. As obras de Tarsila do Amaral mostram esse florescimento, e sua pintura Lake de 1928 é uma celebração gloriosa da natureza que está em desacordo com seu trabalho introspectivo de retratos — como a pintura do poeta e membro do Grupo dos Cinco Oswald de Andrade — de seis anos antes.
Anita Malfatti também pintou Oswald de Andrade, e sua interpretação mostra como os modernistas brasileiros estavam adotando novas abordagens na manipulação da tinta. O Oswald de Malfatti está em movimento, atravessando a tela em frente a um fundo energético de planos de cor que se cruzam. Da mesma forma, Flávio de Carvalho usou o retrato para levar sua prática adiante. Seu retrato de Mário de Andrade (outro poeta e defensor do Grupo dos Cinco ) de 1939 é um exercício confuso de se soltar com um pincel. Flávio de Carvalho era um curinga. Começando como arquiteto e engenheiro, suas excursões artísticas incluíram a Experiência N. 2 , o primeiro ato de arte performática do Brasil, no qual ele andou no sentido oposto de uma procissão religiosa (muito desaprovado), flertando com mulheres enquanto caminhava pela multidão (pior ainda).
Flávio de Carvalho, Mário de Andrade , 1939. Foto de Luiz Aureliano, copyright Flávio de Carvalho
Lasar Segall e Vicente do Rego Monteiro foram contemporâneos de Malfatti e do Amaral. Nascido na Lituânia em 1891 e educado na Alemanha, Segall mudou-se para São Paulo em 1912, trazendo consigo sua experiência do expressionismo europeu. Em Banana Plantation , pintado em 1927, Segall reconhece a presença da cultura africana trazida ao Brasil após o tráfico de escravos da África para o país por colonos portugueses. Um trabalhador da plantação olha estoicamente da tela, aparentemente perto de se afogar nas bananeiras ao seu redor. Vicente do Rego Monteiro expôs ao lado de Segall e Malfatti na década de 1920, e suas figuras humanas pintadas de forma redonda — como Archer de 1925 — lembram as formas curvas dos modernistas britânicos Henry Moore e Barbara Hepworth .
Trabalhando durante a Segunda Guerra Mundial, a produção de Candido Portinari teve sua base no abismo entre ricos e pobres no Brasil. Ele usou desenhos e pinturas de espantalhos para transmitir a situação difícil do povo empobrecido de seu país, e sua pintura de 1940, O Espantalho, é de uma jovem garota em roupas esfarrapadas. Em contraste, Alfredo Volpi reduziu suas pinturas a formas geométricas simples. Sua peça Sem título de 1950 é uma mistura de ingenuidade intencional e trompe l'oeil, pois seus triângulos parecem vibrar e estremecer contra seu fundo azul. Geraldo de Barros também era intrigado pela geometria e pela trajetória das formas, e o título de sua obra de arte Arranjo de três formas semelhantes dentro de um círculo diz como ela é: um redemoinho de sorvete de cor plana.
Geraldo de Barros, Arranjo de três formas semelhantes dentro de um círculo, 1953. Foto: Gustavo Scatena/Imagem Paulista, copyright Geraldo de Barros
Djanira da Motta e Silva é a terceira artista feminina na pesquisa. Conhecida simplesmente como Djanira, sua pintura Três Orixás de 1966 é um showstopper. O modernismo brasileiro foi estabelecido como uma força formidável na década de 1960, e Djanira passou um tempo em Nova York, onde ela andou com Marc Chagall e Joan Miró. Assim como Segall, ela representou a influência da cultura africana em seu país, e sua pintura Três Orixás mostra um trio de orixás , ou deusas da África Ocidental, pairando imperiosamente na frente de um par de tambores. Rubem Valentim também encontrou inspiração nos mitos dos orixás . O único artista exibido aqui que trabalhou em três — assim como em duas — dimensões, os orixás de Valentim são irreconhecivelmente cúbicos em suas pinturas a óleo e semelhantes a totens em seus recortes e entalhes de madeira. Feito em 1980, o Emblematic Sacral Alter Set – E59 é uma de uma longa série de esculturas de Valentim que ele via como homenagens sagradas às divindades africanas.
Djanira, Três Orixás, 1966. Foto: Simon Coates para Observer
No geral, “Brasil! Brasil!” é uma mostra estável, mas há uma qualidade sóbria em sua encenação. Em 2022, a Royal Academy realizou uma retrospectiva de William Kentridge, e todo o negócio foi um deleite fascinante. A iluminação saltou de intensa para sutil conforme a exposição se desenrolava, e as criações de Kentridge foram apresentadas em uma espécie de caos bem administrado. Não há nada dessa ludicidade ou caos aqui, o que é uma pena, dada a vibração e o dinamismo das obras de arte em exposição.
“Brasil! Brasil! The Birth of Modernism” está na Royal Academy em Londres até 21 de abril de 2025. Reserva antecipada é recomendada.
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